文艺复兴大本营——乌菲兹美术馆

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波提切利

桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli，1445年3月1日—1510年5月17日），原名亚历桑德罗·菲利佩皮（Alessandro Filipepi）是欧洲文艺复兴早期的佛罗伦萨画派艺术家。

在美第奇家族掌权的期间，波提切利为他们做了多幅名画，声名大躁。

1485年完成的《维纳斯的诞生》是波提切利的一幅非常著名的杰作，表现的是希腊神话中代表爱与美的女神维纳斯从大海中诞生的场景。

这件作品根据波利齐安诺的长诗吉奥斯特纳而作，描述罗马神话中女神维纳斯从海中诞生的情景：她赤裸著身子踩在一个贝壳之上，右边春之女神正在为她披上华服而左边的风神送来暖风阵风，吹起她的发丝。

这幅画的绘画风格在当时颇为与众不同，不强调明暗法来表现人体造型，而更强调轮廓线，使得人体有浅浮雕的感觉，而且极适合装饰作用。画面中的女神肌肤洁白，金色的长发飘逸，无愧为是完美的化身；但脸上却又挂有淡淡的忧愁、迷惘和困惑。

学者们倾向于将这位身穿盔甲的年轻女子视为智慧女神帕拉斯·雅典娜，她手持半人马，这是野蛮本能的化身。年轻女子的礼服上饰有一枚钻石戒指，这是美第奇家族著名的装置。

小耶稣在母亲的膝上触摸着石榴，这是一种具有多重象征意义的水果，其红色的颗粒让人想起耶稣为拯救人类而流下的鲜血。

被天使加冕的圣母在书写所谓的圣母颂歌时被捕捉到：Magnificatanima mea Dominum（“我的灵魂尊主为大”）。构图的原创性、服装的精致优雅和头发，玛丽全神贯注且优雅的面容，使这幅作品成为波提切利历代以来最著名的作品之一。

这位身份不明的年轻人手持一枚镀金灰泥奖章，上面刻有老科西莫（1389-1464 年）的肖像，这是这位杰出的美第奇政治家和艺术赞助人去世时铸造的奖章的复制品。年轻人的四分之三姿势和风景的灵感来自佛兰德肖像画，而波提切利则利用奖章将真实的三维元素引入画面中。

圣母坐在曼朵拉中，这是荣耀的象征，由众多六翼天使组成，仿佛在天堂的幻象中。背景中的金色光芒强调了构图的超然情绪。然而，这些光线并没有破坏母亲和孩子强烈的人性品质。

（注意背影由许多小天使组成）

右边的迈达斯国王，在怀疑和无知的劝告下，准备审判诽谤的受害者，他被诽谤拖着头发，伴随着欺诈、欺骗和怨恨。左边，悔改看着赤裸的真理，真理抬起眼睛望向天堂。

诽谤是波提切利晚期的作品，此时的作品已经没有了以前明亮的画风。

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皮耶罗·德尔·波拉约洛 是一位来自佛罗伦萨的意大利文艺复兴时期画家。

在天主教里，七美德是七种高尚的德行：谦卑、宽容、忍耐、勤勉、慷慨、节制、贞洁。而在圣经中，七个美德分别对应七位天使。

七宗罪一般指傲慢、嫉妒、愤怒、怠惰、贪婪、暴食、色欲。

乌菲兹美术馆收藏的七美德画作中，皮耶罗·德尔·波拉约洛（Pollaiuolo）画了六幅，波提切利画了一幅，七美德的名称翻译略有差异。

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文艺复兴早期的作品

这幅画看似简单，实际上对后来的画家影响很大。皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca），意大利文艺复兴早期画家兼理論家，其绘画理论与作品对当时的绘画有革命性的影响。

画中描绘的是侧面，这是十五世纪纯意大利肖像画的典型解决方案，让人想起古代硬币， 背景中景观的连续性——费德里科的王国蒙特菲尔特罗的山丘和均匀的光线暗示了两个面板中空间的统一。

皮耶罗描绘自然、衣服、珠宝和主教的面貌，注重细节和材料的质量，这源于画家对佛兰芒绘画的了解。

费德里科·达·蒙特费尔特罗（左）和巴蒂斯塔·斯福尔扎（右）在基督教美德的陪伴下乘坐凯旋战车。长着翅膀的胜利女神为费德里科戴上月桂花环。前面坐着正义的剑和天平，谨慎的镜子，刚毅的断柱，而节制则坐在他们的后面。巴蒂斯塔·斯福尔扎的战车由两只独角兽牵引，象征贞洁。坐在公爵夫人前面的是身穿黑衣、手握鹈鹕的慈善鸟，而身穿红衣的费斯则拿着圣杯和薄饼。从后面看，她身后是穿着蓝色衣服的霍普和穿着白色衣服的节制。

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菲利普·利皮（Fra' Filippo Lippi）和其子菲利皮諾·利皮, 是意大利文艺复兴初期的两位著名畫家。

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教会圣父们的文本和故事集讲述了在基督教的最初几个世纪里，一些隐士隐居到埃及底比斯市附近的沙漠中，在那里他们过着致力于祈祷和禁欲主义的生活。因此“Thebaid”这个词被用来描述对岩石景观的描绘，其中展示了几位僧侣从事与乡村生活相关的各种活动。这一主题在 1400 年代的佛罗伦萨特别流行，通常被描绘在矩形木板上。乌菲兹美术馆的面板是当今已知唯一完整保存下来的面板。

死去的基督是按照乔托设想的模型展示的，他没有生命的身体沉重地压在弯曲的膝盖上，并由他手和脚上的钉子固定在适当的位置。头部和半身像都向前倾斜，这突出了对被遗弃身体的自然描绘。两侧是圣母玛利亚和福音传道者圣约翰，双手合十，做出祈祷和悲伤的姿势，默想救世主。十字架上方是一只鹈鹕用胸中的血喂养幼崽的形象，寓言基督为救赎人类而死。

真蒂莱在佛罗伦萨，创作了著名的祭坛画《贤士的崇拜》。 这幅作品被认为是国际哥特式风格的杰作之一，对意大利文艺复兴时期的绘画产生了持久的影响。这项工作展示了他改进的自然主义技术，利用光来创造维度和透视。他对光的运用使人物栩栩如生，使他们看起来更自然。

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《受胎告知》或者叫做《天使报喜》是教会画作中常出现的题材，说的是天使告知圣母玛丽亚怀上了基督耶稣的故事。下面可见几位大师同题材的画作。

这是马提尼的《受胎告知》该作品被认为是马蒂尼的杰作和哥特式绘画最杰出的作品之一。

《天使报喜》描绘了大天使加百列进入圣母玛利亚的家中，告诉她很快就会生下孩子耶稣，他的名字的意思是“救世主”。天使手里拿着一根橄榄枝，这是和平的传统象征，同时另一只手指向圣灵的鸽子。鸽子从天而降，从上方八位天使的曼陀罗中央，即将进入圣母的右耳。事实上，沿着鸽子的路径，观众可以看到加百列的话语：ave gratia plena dominvs tecvm（“万岁，充满恩典，主与你同在。”）。天使的斗篷上有细致的“鞑靼布”图案和精美的镀金羽毛。

玛丽坐在宝座上，被描绘为读完书后受到惊吓的那一刻，她的反应是优雅而沉着的不情愿，惊讶地看着天上的使者。她的裙子有类似阿拉伯式花纹的图案。

这幅画是由贝内代托·弗朗切斯科·瓜尔迪爵士于1489 年委托为佛罗伦萨博尔戈·平蒂的圣母玛利亚·马达莱娜教堂创作的。与波提切利大约十年前绘制的《天使报喜》壁画相比，这幅作品更加朴素和丰富。具有精神上的张力.

据说这是达芬奇被人请去画的第一幅整画。

跪着的大天使加百列在一个充斥着纯净气息的茂密花园中向一个不知情的玛丽宣布，她很快就会怀上上帝之子。 他交给她的百合，象征着她的童贞。 从她正在看书的讲台后面的位置可以看出她对这一消息的微妙而积极的回应。

莱昂纳多·达·芬奇可能试图暗示玛丽的博学天性。 天使报喜和圣母玛利亚的许多描写都是母亲或命运的选择，是上帝的无情仆人。

PS：注意玛丽的右臂异常。 它看起来变形并且有点太长。 这显示了达芬奇对光学的早期研究，并考虑了横向观点。 手臂是细长的，因此尽管玛丽的位置较低，但手臂仍会居中并跟随观众穿过房间（左右）。

这是20多岁的时候达芬奇画的《受胎告知》。他用细致的笔触淡化轮廓线，使用了更严谨的远近法。

他尽可能地画出眼镜所看到的世界原貌。

达芬奇年纪轻轻就体会到了其他人难以体会到的一种非常科学的绘画技巧。

这幅画可能是为了庆祝洛伦佐·托尔纳博尼 (Lorenzo Tornabuoni) 和乔凡娜·德利·阿尔比齐 (Giovanna degli Albizzi) 的第一个儿子出生而绘制的，他们于前一年结婚。姿势、身体特征、装饰和古典建筑的多样化渲染是多梅尼科·基尔兰达约（Domenico Ghirlandaio）的艺术特征，这位画家深受同时代人的赞赏。

他有一个著名的徒弟叫：米开朗基罗。

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列奥纳多·达·芬奇（意大利语：Leonardo da Vinci，是意大利文艺复兴时期佛罗伦萨共和国的博学者：在绘画、音乐、建筑、数学、几何学、解剖学、生理学、动物学、植物学、天文学、气象学、地质学、地理学、物理学、光学、力学、发明、土木工程等领域都有显著的成就。

达·芬奇是文艺复兴时期人文主义的代表人物，也是历史上最著名的艺术家之一，与米开朗基罗和拉斐尔并称文艺复兴三杰。

小行星3000为纪念达·芬奇而被命名为“列奥纳多”。

列奥纳多·达·芬奇常常被描述成一个博学者中的典型、一个有着“不可遏制的好奇心”和“极其活跃的创造性想象力”的人。他被广泛地认同为迄今为止最伟大画家之一，或许他还是所有人中拥有最多不同类型的天赋的人。按照艺术史学者海伦·加德纳的说法，他的兴趣到达了一个前所未有的范围和深度，而且“他的思想和人格似乎是超出常人的，而他本身却是神秘又疏远”。

达·芬奇主要以画家著称，并以其画作写实性和极具影响力闻名。在他的作品中，《蒙娜丽莎》是最负盛名且最常被模仿的肖像。《最后的晚餐》被认为是所有时期中最多被复制的宗教绘画。

这幅画描绘了施洗约翰在约旦河岸上给耶稣洗礼的场景。画中有两个跪着的天使，一个拿着耶稣的衣服，另一个则双手合十，两者都在象征着“救赎”和“生命”在棕榈树的前方。其中，约翰赤着脚站在河里，他穿着头戴光环的长袍，手持一支带有金十字的权杖，将河水浇在耶稣的头上。而耶稣头上也戴着光环，同赤着脚在河里祈祷。耶稣的身上覆盖着一件小衣服。

研究认为：《基督受洗》主要是意大利文艺复兴画家安德烈·德尔·委罗基奥所完成的，而达芬奇作为委罗基奥的学生，只是画了最左边的小天使和一些背景。

这幅画叫东方三博士的礼拜，讲的是三位智者庆祝耶稣诞生。这幅画没画完就中途放弃了，传说是因为太复杂了，画不下了才罢手的。正因为他复杂，所以说是美术史上非常珍贵的画作。

最近的研究显示，这幅画作并非达芬奇作品的原貌，而是在达芬奇草图的基础上，由另一个不知名的画家完成的。

关于这幅画的研究有一些有趣的事情，一位在艺术界曾经饱受争议的“科学艺术家”毛里齐奥·塞拉奇尼[2]来对此画作进行科学测试，结果却发现了这幅画并不是达芬奇本人完成的。研究表明《三博士来朝》是其他人在达芬奇的草图之上冒名完成的。

塞拉西尼用红外摄像机发现了掩盖在颜料之下的达芬奇的草稿真迹，并请来了一位研究文艺复兴时期宗教画的艺术史学家蒂莫西·弗登对底稿进行鉴定，被证实确为达芬奇的手笔。 底稿与肉眼可见的《三博士来朝》有很大的不同，比如画面右上方的两匹马在厮打，但在底稿上却清晰的看到马上的骑士[3]，而且在底稿上还发现了达芬奇29岁时的素描自画像等许多以前不为人知的内容。

由于底稿上所呈现的画作风格与经典的宗教画截然不同，塞拉西尼由此推断当年达芬奇之所以只画了不到一年就放弃了绘画，就是因为教堂的教士们无法接受这种在表现庆贺耶稣降生的神圣画作中加入丑陋的人物和战斗的场景，他们认为这是大逆不道的，于是达芬奇就放弃了这幅画，随后这幅画被丢到了一个漏水的仓库里。许多年之后由于达芬奇已经是被公众所承认的大师，这幅画又被拿了出来，经过一番拙劣的修整之后，便以达芬奇名画的名义重新现世了，而达芬奇的画这幅画的

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拉斐尔·圣齐奥（Raffaello Sanzio da Urbino，1483年4月6日—1520年4月6日），本名拉斐尔·桑蒂（Raffaello Santi），常简称拉斐尔（拉丁语：Raphael），意大利画家、建筑师。与列奥那多·达芬奇和米开朗基罗合称“文艺复兴三杰”。拉斐尔画作向以“秀美”著称，其笔下人物清秀，场景优美。

拉斐尔的著名宗教画“圣母系列”将宗教的虔诚和非宗教的美貌有机地融为一体；他的画即使是《圣乔治大战恶龙》的场面看起来也是平静安详的。拉斐尔为梵蒂冈教宗居室创作的大型壁画《雅典学院》是经典之作，将柏拉图和亚里士多德，基督教和异教，统统融合在一起，创造出和谐的场面。同时也创作出许多著名的肖像如《良十世像》。拉斐尔的性情平和、文雅，和他的画作一样。拉斐尔于1520年高烧猝逝于罗马，终年37岁，葬于万神庙。

拉斐尔的古典西洋绘画对后世画家造成很大的影响。代表作《雅典学院》是装饰在梵蒂冈教宗居室创作的大型壁画。而他的建筑风格也在此画中得以表现，特别是室内优美装饰，给予后世很大的影响。另外，拉斐尔的“秀美”画风，人物清秀，场景祥和，加上他将宗教的虔诚和非宗教的美貌有机地融为一体，将基督教和异教，统统融合在一起，创造出和谐的场面。

这是佛罗伦萨一个很有名的富商阿格诺罗.多尼和他妻子马达莱娜的肖像画。这两幅画的背景相连，本来就是当做一幅画创作的。

明明是画马达莱娜的肖像，但拉斐尔却借用了达芬奇的构图。从身体的姿势到手的摆放，它都几乎与蒙娜丽莎一模一样。

马达菜娜当时只有十七岁，通过她奢华的衣着与许许多多珠宝，展现出了她作为富商妻子的派头。

佛罗伦萨的人早就知道了《蒙娜丽莎》这幅画的存在。拉斐尔把富商的妻子画得跟蒙娜丽莎的构图一样，富商很喜欢这个创意。

《金翅雀圣母》是拉斐尔祝贺佛​​罗伦萨商人洛伦佐·纳西 (Lorenzo Nasi) 的婚姻而作。

这幅画是拉斐尔最受喜爱的作品之一。

耶稣和约翰待在圣母的膝边，看起来在玩耍。两位幼儿手上有只小鸟，叫做金莺。根据传说，金莺是因为滴到了耶稣流下的血，脸上才会出现红色斑，它也成了这幅画的题材。

佛罗伦萨商人阿格诺罗·多尼(Agnolo Doni) 从拉斐尔那里订购了这两幅肖像画，不久之后，他还委托米开朗基罗创作了《神圣家族 tondo》。见下图

米开朗基罗的这幅画可能是，阿格诺罗·多尼为了纪念他与托斯卡纳权贵家族斯特罗齐家族的女儿玛达莱娜·斯特罗兹的婚姻而委托米开朗基罗创作的。这幅画的形式为“tondo”，即意大利语中的“圆形”。这一形状在文艺复兴时期常与“家庭”这一概念相勾连。

占据了大部分画面中心的圣母玛利亚是这幅画构图中最突出的人物。为了更好的表现她与大地紧密联系这一主题，玛利亚是直接坐在地上，与草地之间并无垫子阻隔。圣若瑟在画面中的位置高于玛利亚，这在圣家族的构图中是个不寻常的特征。玛利亚坐在若瑟的大腿之间，似乎若瑟是在保护玛利亚。若瑟的大腿构成了事实上的“王座”。而关于玛利亚是在从若瑟手中接过孩提耶稣，还是将孩子递给若瑟，存在一些争议。作为佛罗伦萨的主保圣人，施洗约翰常见于佛罗伦萨描绘圣母玛利亚和孩提耶稣的作品。他在这幅画中位于圣家族和背景之间的中间位置。这幅画似乎展现的是一个田园乡村场景。圣家族在草地上享受生活，而一堵矮墙把他们与后面一群看起来很奇怪并且(似乎）毫不相干的一群人分隔开。

这幅画仍然装裱在原来的画框中，而米开朗基罗本人可能影响或者帮助设计了这个华丽的画框。画框上有五个相当特别的头像，它们凸出于画框平面，呈现出立体感。与背景中的裸体人物相似，这些头像的作用与含义也是人们议论猜测的焦点。除此以外，画框上还雕有新月、星星、狮子和几种植物。这些物象可能取自多尼家族和斯特罗兹家族的族徽，用以象征代表这两个家族。画框上铭刻的“用缎带绑在一起的月亮与狮子交错相连”（英语：the moons are bound together with ribbons that interlock with the lions）可能指代这两个家族的联姻。

有一条疑似矮墙的水平条带将前景和背景分隔开。画面上的圣家族比后面的裸体形象更大，因为他们离我们观察者更近——这是一种在二维平面上产生纵深感的手段。施洗约翰身后有一个半圆形的台，几个无名裸体形象或靠或坐在这个台上。这个半圆形台或反映了绘画本身的圆形构图，并对画面主要形象（圣家族）的垂直构图起到衬托作用。圣母玛利亚和圣若瑟和注视着基督，但没有任何一个裸体人物直接看向基督。更远处的背景则是用大气透视法表现的山地景观。

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1506 年，年仅 15 岁的梅尔齐进入达芬奇的工作室，并根据大师遗失的原型制作了这幅面板。背景中雾气缭绕的岩石和山脉是列奥纳多的典型作品。根据神话，宙斯化身天鹅引诱了斯巴达国王廷达柔斯的妻子丽达。他们结合的成果是两个蛋，每个蛋都有一对双胞胎：卡斯托尔和波勒克斯、海伦和克吕泰涅斯特拉。在这幅画中，勒达按照古代雕像的标准摆出姿势，一条腿承受体重，另一条腿休息，造成轻微的扭曲。

赫拉克勒斯的神话是文艺复兴时期宫廷权力象征的一个组成部分，但却以戏仿的形式呈现。坐在左边头戴玫瑰花环的老年英雄正忙着玩大球。他旁边是一个相貌不好看的男人，手里拿着一根棍子：指的是赫拉克勒斯对王后翁法勒的热情，王后强迫他做女人的工作。散落在桌子和护墙上的物品象征着生活中的各种乐趣，创造了一个复杂的寓言，暗示了尘世诱惑和色情快乐的危险。

在这幅为费拉拉省科迪戈罗大教堂绘制的祭坛画中，奇迹发生在被闪光照亮的风景中，闪光穿透云层，圣母子在橙色圆盘的中央。前景中两位精力充沛的圣人似乎与观者共享空间，将观者带入视觉之中。施洗者被描绘成手持芦苇十字架，十字架上缠绕着一个卷轴，上面写着“Ecce Agnus Dei”（“看哪，上帝的羔羊”）和一本书，可能是预言弥赛亚来临的圣经。传教士手中的蛇圣杯暗示了他喝下毒酒后毫发无伤的传说。

一名戴着翼盔、穿着古式铠甲的青年正在注视着半裸睡着的仙女，她的手臂搁在地球仪上。他右手拿着棕榈叶，左手拿着一根类似于主教权杖的权杖。对这两个人物有多种解释：它们可能是邪恶与美德的寓言，也可能是墨丘利和仙女艾米莫妮。

优雅而威严的圣母玛利亚将目光转向睡在她腿上的圣婴，姿势预示着他的死亡。左边的天使拿着一个花瓶，花瓶的闪亮表面反射着十字架。右下角是圣杰罗姆。还有一只脚，可能是圣弗朗西斯的脚，但艺术家在完成这个雕像之前就去世了。这幅画的传统标题来自于圣母脖子的比例，它与右侧描绘的智慧之所所罗门圣殿的柱子一样长而细长。在这幅画中，追求精致的美，占主导地位的银色色调塑造了细长的人物形象，似乎使肤色、花瓶的金属和圣母衣服上沙沙作响的丝绸变得晶莹剔透。

很喜欢这幅画，太有人情味了。

此画主题源自瑞典的圣布里奇特（1303-1373）在她的启示录和预言中叙述的耶稣诞生的异象。在黎明清澈而纯净的气氛中，美丽而甜美的麦当娜跪在新生的耶稣面前，深情地注视着他。孩子回应了母亲的目光，伸出小手，典型地孩子气，试图抓住她的衣服。将新生儿放在母亲斗篷边缘的发明突显了他们的亲密联系。通过一些简单的手势，科雷吉奥成功地向观众传达了玛丽和她儿子之间温柔的情感交流。

天使的翅膀像蝴蝶一样尖而精致，他的脸在琵琶上，遮住了他的大部分身体，只留下头，浓密的红色毛茸茸的可见，完全被迷住了音乐中，天使被描绘成伟大的自然主义和所有乖孩子的天真。

根据福音书（太 2:16），希律王下令屠杀伯利恒所有两岁以下的男孩，以消灭基督的孩子，屠杀发生在一座巨大的楼梯上。构图围绕着中心被谋杀的婴儿群呈圆形发展，并在左下角由母亲在死去儿子的尸体上哭泣而引入。肌肉发达的士兵和母亲复杂而对比鲜明的动作的灵感来自米开朗基罗和拉斐尔的画作。通过色彩和强光照射人物所获得的浮雕效果，强调了绘画与绘画之间的比较的主题。丹尼尔在他的作品中多次提及的雕塑。

基督肩上十字架的威严形象占据了整幅画。细小的血滴从荆棘冠上流下来。他的脸上布满晶莹的泪水，低垂的双眼掩盖着强烈的痛苦。萨尔维亚蒂是佛罗伦萨和罗马之间风格主义的主要代表人物，他以精致的优雅诠释了米开朗基罗的英雄风格（参见这里像装饰品一样编织的荆棘王冠，精心修饰的胡须），同时赋予丰满而精致的人物生命。

（这幅画中耶稣英俊的美男子形象与通常耶稣受难的形象大大不同）

根据古代神话，维纳斯无意中被丘比特的一支箭射中，并爱上了年轻的阿多尼斯。她离开奥林匹斯山，去森林里和他一起生活。有一天，阿多尼斯在一次狩猎中被一头野猪咬伤。当女神冲过去帮助他时，她的脚被一朵白玫瑰的刺扎破了。她的血将花朵染成红色，从此它们就成为爱情的象征，而红海葵则从阿多尼斯的血中萌芽。塞巴斯蒂亚诺·德尔·皮翁博将这一神话场景设定在威尼斯泻湖忧郁的暮色中。他出生地的宫殿在背景中清晰可见。

圣母玛利亚矗立在大理石基座上，基座上刻有艺术家的签名、日期和拉丁文句子，意思是“女王被提升到最高王座。基座上装饰着半人半鸟的生物。乔治瓦萨里认为它们是鹰身女妖，与来世有关的神话生物，因此这幅画的传统标题。 左边的圣弗朗西斯是佛罗伦萨圣弗朗西斯科德马奇教堂的守护神，这幅祭坛画就是为该教堂创作的。

这幅巨大的祭坛画由费德里科·巴罗奇 (Federico Barocci) 于 1579 年绘制，彼得罗·莱奥波尔多 (Pietro Leopoldo) 大公于 1786 年为圣玛丽亚德拉皮耶韦 (Santa Maria della Pieve) 教堂的阿雷佐平信徒礼拜堂购买了这幅祭坛画。 它具有旋转的构图和自然的品质，明亮的色彩和强烈的灯光使其充满活力。 残疾男子、盲人和带着孩子的妇女等人物参考了圣母的《七件仁慈之事》，在这幅画中，圣母向她的儿子展示了自己作为人民的律师。 在这里，巴罗奇预见了巴洛克艺术的壮观效果； 事实上，他的年轻崇拜者中，除了托斯卡纳画家之外，还有鲁本斯。

这幅画之前被认为是拉斐尔的作品，被认为描绘的是他心爱的玛格丽塔·卢蒂，也就是人们所熟知的“La Fornarina”。但是现在已经确认是塞巴斯蒂亚诺·德尔·皮翁博的作品。少妇握住从肩上垂下的毛皮斗篷，用手指向心脏。头上的香桃木王冠是维纳斯的象征，表明这可能是委托创作这幅画的阿戈斯蒂诺·基吉所爱的一位威尼斯女孩的肖像。

这是提香非常著名的一幅画。

它展示了一位年轻的新娘正在等待她的女仆打扮。他们在后台忙着为她挑选衣服，以庆祝在威尼斯被称为“toccamano”（触摸手）的家庭仪式。在触摸新郎的手时，新娘表示同意嫁给他。窗台上的香桃木花瓶和女孩脚下的哈巴狗也是婚姻的象征。她的姿势与维纳斯普迪卡的古典肖像相呼应，女神的象征红玫瑰加强了这种联系。

这幅画于 1538 年被乌尔比诺公爵吉多巴尔多·德拉·罗韦雷 (Guidobaldo della Rovere) 购买，他在与驻威尼斯大使的通信中称其为“裸体女人”的形象。 乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari）将其描述为“躺着的年轻维纳斯”，此后这一鉴定被一致接受。

两只猎犬出现在这样的风景中，黎明的第一缕阳光显露出远处巴萨诺和格拉帕山的城墙和塔楼。画家对两只野兽的描绘充满了关怀和爱意，捕捉了它们温顺的本性，暗示了它们的疲倦和饥饿。这些并不是摆出姿势的优雅动物，而是两只停下来恢复体力的杂种。该主题以快速、自由的手法以及当时令人惊讶且绝对创新的自然主义呈现，预示着一种直到下个世纪才变得司空见惯的流派。

泰特斯·李维讲述了科拉蒂努斯的妻子卢克丽霞，在被她身后所画的罗马最后一位国王塔奎尼乌斯·苏佩布斯的儿子、塞克斯图斯·塔奎尼乌斯强奸后，用匕首自杀的故事。

卢克丽霞的形象成为文艺复兴时期贞洁和婚姻忠诚的典范。然而，在这个例子中，这个主题主要为艺术家提供了一个机会来描绘一种慵懒、华丽的美感，她的衬衣从她宽大的胸前滑落，这是自 16 世纪初期以来威尼斯非常流行的主题。

根据《创世记》，亚当和夏娃是人类的祖先，由上帝创造，与伊甸园中的所有其他物种永远生活在一起。这四张图片展示了叙述中最重要的事件及其戏剧性的结局。在第一个场景中，我们看到夏娃的诞生，她从亚当的肋骨中诞生，成为他一生的伴侣并为他生下孩子。夏娃被魔鬼引诱后，违背上帝的命令，劝说亚当吃了知识树的禁果，从而使他能够辨别善恶。

亚当和夏娃吃了禁树上的果子后，发现了自己赤身露体的耻辱，他们试图在上帝面前掩盖这一点。没有任何姿态暗示他们被逐出天堂。只有神圣云彩发出的光才能提醒我们注意事件的戏剧性。这幅画是为威尼斯圣三一教堂绘制的，是其他圣经场景系列的一部分。

金星裸体而性感的背部占据了明亮的前景，而场景的其余部分则处于阴影中。色狼拉起白布，露出了自己的身体，一脸淫荡的递上了盛满葡萄的碗。一个斜视的丘比特抓住了她的腿，而另一个则准备给她戴上花环。受提香的“裸体画”和威尼斯画派的影响，这种绘画流派带有色情色彩，注定是为私人顾客服务的。卡拉奇的主题和解剖效果图的灵感来自古代雕像。

一些学者认为，艺术家在对画家阿戈斯蒂诺·塔西

（Agostino Tassi）强奸案的审判中获胜后，画这幅画时是在发泄情绪。事实上，朱迪思引诱并斩首何乐弗尼将军以解围城的题材在17世纪并不罕见，卡拉瓦乔也曾画过。彻底新颖的是女主人公完成任务时充满活力的方式，以及对沐浴在戏剧性光线下的场景中更血腥细节的品味。

真蒂莱斯基Artemisia Gentileschi是一个著名的女画家。

这幅画与前一幅是同一个题材。这是一个圣经里的故事。朱迪是《旧约》里《朱迪传》中的人物，她通过色诱敌军首领何乐弗尼，砍下其头颅，使犹太人击退了亚述人，她也成了犹太女英雄。

鲁本斯是著名的画家，他对欧洲绘画产生过重大影响。

这幅画的主题是凡人生命的短暂。画中的年轻女子左手捧着一盒珠宝，凝视着上方射来的光芒，象征着世俗的财富。她的右手拿着一面镜子，反射着时间的痕迹。

根据神话，安德洛墨达是埃塞俄比亚公主，被献给可怕的海怪，被珀尔修斯救下，珀尔修斯在处决美杜莎后不久骑着他的飞马冲了上去。主角们疯狂的动作、安德洛墨达赤裸身体的美丽以及两种动物奇异的表情，让被金属闪光撕裂的夜景，变得生动起来。在他的绘画中，莫拉佐尼成功地融合了不同的影响，表现出对威尼斯和佛兰德绘画以及意大利中部风格主义的兴趣。

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卡拉瓦乔

米开朗基罗·梅里西·德·卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio 1571-1610），意大利杰出的现实主义画家。这是一个非常有个性和叛逆精神的杰出画家。

 他创作了一系列表现了叛逆精神的宗教题材作品，他毫无顾忌地把流浪汉、渔夫、吉卜赛人大胆地画进了神圣的祭坛里。在这些作品中人物充满了激动不安的热情，他们就象是一群暴动者骚动不安。在这些画幅里画家运用了复杂的光线在画面上形成强烈的明暗对比，那些充满力量的线条，表现出人物的粗犷的性格。他通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。

这幅画描绘了希腊神话中的人物美杜莎被砍下的头颅。美杜莎曾经是一名人类女性，但波塞冬在雅典娜的一座神庙中强奸了她，女神雅典娜诅咒她像怪物一样生活。她的头发变成了蛇，任何人看到她都会变成石头。宙斯的半神孩子珀尔修斯最终使用众神的礼物斩下了美杜莎的头。

卡拉瓦乔用自己的脸取代了美杜莎的脸，使自己能够免受她致命目光的影响。虽然头部被斩首，但它看起来仍然有意识，这幅画捕捉到了死亡前的最后时刻。面目瞪大，眉头皱起；它的嘴张开。鲜血从被割断的脖子中涌出。

据说这幅画是画家卡拉瓦乔的一幅自画像。在他面前的石桌上，是一海碗的水果和一大瓶的红酒。他的左手同样对观众伸出满满一高脚杯的红酒，仿佛在邀请观众与之共饮。在绘制此画时，卡拉瓦乔正在生病，所以画中这位酒神的形象多少显得有点憔悴、神情倦怠，完全没有人们想像中酒神的神采飞扬。

在神的命令下，这位父亲正要砍下自己儿子的脑袋。

这是旧约圣经中的一个插曲-《用艾萨克祭献》。描述的是犹太族长亚伯拉罕正要将自己的儿子艾萨克献给神当祭品的那一刻。

天使前来通报，请他别那么做，艾萨克的脸上充满恐惧。逼真的笔触令观者感到震撼。在艾萨克身边的，是用来祭献的羔羊。

因为知道了亚伯拉罕对神的忠诚，所以不需要他儿子，只要献上羔羊当祭品就行了。

卡拉瓦乔天生就喜欢看到血，而出现在他画作里的刀剑却常常被他塑造成代表牺牲或正义的神圣之物。

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《对孩子的崇拜》展示了月光下的场景，玛丽将孩子放在襁褓中。约瑟夫正看着她的肩膀，两个天使正靠在婴儿床上。月光从脸上反射出来，让人联想到孩子就是光源。

读手相是卡拉瓦格画家最喜欢的主题。事实上，卡拉瓦乔本人不止一次画过这个主题。格里特的作品是原主题的变体，女孩和吉普赛人读她的手相，其他旁观者则看着这个被戏剧灯光笼罩的场景。

这幅画是托斯卡纳大公费迪南多二世送给奥地利母亲玛丽亚·马格达莱娜的礼物。在 1993 年 5 月发生在乔治菲利大街的黑手党汽车炸弹袭击中严重受损。

此画描述的是有关女性美德的劝喻性故事，讲述了女子佩罗在其父亲西蒙被监禁并被判处死刑后，秘密地用人乳喂养父亲的传说。类似古代中国妇人的三从四德。

跪在前景的年轻女子在背景的窗帘的映衬下显得格外引人注目。她穿着一件轻便的长袍，增强了她丰沛、雕塑般的曲线，并裸露了一个乳房。她周围有三个孩子：一个正在玩弄她的袍子，其他孩子则紧贴着她的肩膀和大腿，交换着深情的眼神。萨尔维亚蒂将四个人物塑造成一个整体，在高度复杂的元素平衡中和谐地连接每个动作，创造出瓦萨里所谓的“Bella Maniera”最有效的例子之一。该构图的灵感来自于 16 世纪早期佛罗伦萨绘画无可争议的基石：米开朗基罗的《Doni Tondo》，这里反映了女性人物和三个孩子的姿势。然而，周围环境中蜿蜒的流动性、慵懒的表情和精致的细节更让人想起自 1520 年代中期以来罗马克莱门特七世宫廷中发展起来的文化中心。在那里，来自不同来源的艺术家——包括帕马贾尼诺、佩林·德尔·瓦加、朱利奥·罗马诺、罗索、桑索维诺等——聚集在一起，他们的成果将影响到本世纪最后几十年的绘画方向。萨尔维亚蒂在佛罗伦萨期间创作了这幅作品，当时他正在佛罗伦萨进行多项公共工程，例如旧宫观众室的壁画以及一些宗教委员会的作品。

黑暗的背景衬托出她就像一尊雕像，温柔的年轻圣母抱着她的儿子，儿子站在栏杆上进行祝福。两个主题都直视观众，直接让他与神圣的愿景互动。这些人物的描绘非常注重服装上的珍贵细节，例如基督胸前的透明面纱以及圣母头上的珍珠和石头别针。佩林·德尔·瓦加（Perin del Vaga）在许多相同主题的画作中使用了这个模型，经常与圣约瑟夫一起描绘（神圣家族，瓦杜兹，列支敦士登；神圣家族，尚蒂伊，康德博物馆；神圣家族，比萨圣马特奥博物馆）。对拉斐尔原型的精致诠释，加上构图的优雅解析，使这幅作品成为佩里诺 1530 年代中期作品的典范。在这一时期，这位艺术家在梵蒂冈凉廊的作品以及西斯廷教堂的挂毯和法尔内西纳别墅的凉廊的准备草图时曾在拉斐尔的工作室接受过培训，是罗马场景中的杰出人物，发展 16 世纪初托斯科罗马比喻文化所奠定的基础。

朱利奥·罗马诺与佩林·德尔·瓦加、乔万·弗朗切斯科·彭尼、乔瓦尼·达·乌迪内和波利多罗·达·卡拉瓦乔一起，是拉斐尔罗马工作室中最有天赋的画家之一。罗马诺的《圣母子》的灵感来自于拉斐尔更著名的作品，其中大师探讨了圣母和她儿子之间的关系。玛丽一脸威严、坚强、雕像般的表情，温柔地抱紧她的儿子，短暂地把她的圣书放在一边。艺术家把注意力集中在握紧小束鲜花的手指上，使场景充满活力，让小耶稣高兴地大笑。在背景中，阴影揭示了一个简单的室内装饰的形式，在画作的右上角以一条银色织锦织物为边界。朱利奥·罗马诺（Giulio Romano）在罗马期间绘制了这幅壁画，拉斐尔去世后，他与工作室的同学一起努力完成大师未完成的委托，例如君士坦丁的房间和别墅夫人的装饰，拉斐尔向他们在他的作品的设计和执行阶段分配了独立的角色。这些年来，他的学生所积累的博学、高雅的文化将继续为那个时期意大利各地的领军人物所开发的创新奠定基础。对于朱利奥·罗马诺来说尤其如此，他搬到曼图亚的费德里科·冈萨加侯爵的宫廷，负责主要的城市重建工作，建造特宫，并在不同的房间绘制带有壮观神话图案的壁画。

丁托列托受业于提香门下，是提香最杰出的学生与继承者。

画作的题材取自于希腊的神话故事:斯巴达国王廷达瑞俄斯被兄弟希波科翁驱逐出国，在外长期流离后，他到了希腊中部的埃托利亚，埃托利亚的国王特斯提奥斯慧眼识英雄，不但收留了廷达瑞俄斯，并且把女儿--全希腊有名的美人儿丽达嫁给了他。丽达实乃海仙女，廷达瑞俄斯娶了丽达之后，竟然得意忘形，忘了向阿佛洛狄忒祭祀，于是遭到了阿佛洛狄忒的报复(看来神一样是不宽容的哟)。

廷达瑞俄斯将丽达安排在一个十分幽雅恬静的小岛上，几乎与世隔绝，只有一些女伴陪着她，外人很难接近。一天，丽达正在湖中沐浴，阿佛洛狄忒就让宙斯化为天鹅，自己变成鹰，苦苦追逐宙斯这只天鹅。天鹅宙斯被阿佛洛狄忒追到湖边，盘旋于湖上，恍惚之中看到美丽的丽达，顿生爱慕之情，翩然落到丽达身旁，丽达看它健硕可爱，把它搂抱怀中爱抚不停，谁知，这是阿佛洛狄忒的精心策划，丽达受孕，生下两只蛋蛋，孵出四位天使般的儿女。

圣经（出埃及记 2.16-22）讲述了摩西前往西奈山附近的马甸，遇见当地祭司叶忒罗的女儿们的故事。女孩们遭到一群牧羊人的骚扰，摩西保护了她们，并把叶忒罗的女儿西坡拉（右边的蓝衣女孩）许配为妻子。前景中裸体的强烈冲突占据了整个场景的主导地位，摩西暴力地制服了他的对手。对比的姿势、纠缠的肢体和强烈的戏剧效果表明罗索的灵感来自于米开朗基罗的作品和古代雕像。

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乌菲兹的雕塑

参观乌菲兹美术馆（Uffizi Gallery）时，您会看到许多“古老”的罗马雕像，这些雕像大多是文艺复兴时期的复制品。 这样想：如果对罗马人来说，唤起希腊文化是一种炫耀的方式，那么对于文艺复兴时期的贵族们，对罗马文化的唤起是一种炫耀的方式。

古罗马雕塑的浪漫化被认为是巴洛克痴迷的文艺复兴时期民间美丽和美德的高峰。 

当您进入乌菲兹美术馆时，迎接您的第一批雕像之一是 火星Gradivus。 描绘的是罗马神火星，右手持警棍，左手持剑（现已失踪），正向一支军队的领袖迈进。 该雕像由铸造青铜制成，而不是大理石，展现出古代主题与更“现代”的16世纪之间古典主题的过渡。

安曼纳蒂（Ammannati）是一位雕刻大师，他认真研究了米开朗基罗的解剖学课程，以准确地呈现运动和雕塑中的男性美感。 从一开始，这就是文艺复兴的高峰。